紫砂壶因文人介入而更显价值 2018-06-05

    本月初，“金石翰墨：太康书画印壶作品开年展”在珠江琶醍可创铭佳画廊举行。
本次展览共展出篆刻家、书画家太康的书法、篆刻、花鸟、人物、山水和壶刻精品近百件。
太康依托传统文化根基，擅长多种体裁的创作。
他将金石篆刻的艺术思想与绘画、紫砂壶等表现形式结合，以写意和线条的美感赋予了作品独特的风骨。
　　刻壶艺术的精髓：“道器合一”　　与太康以往的展览相比，除了他所擅长的以篆书笔法绘画的水墨作品外，本次特意展出了一批紫砂刻壶精品，成为展场里的亮点。
　　谈起自己对于刻壶的理解，太康说，在我国古代，壶最初是匠人做的实用器皿，其价值停留在“器”的层面。
直到文人、画家介入以后，他们以绘画、书法和雕刻等方式为其加入文化内涵，从而让壶上升到“道”的层面，他将此称为“道器合一”。
　　“因为壶是烧不坏的，它不像纸张那么容易被腐蚀，在壶上作画可以传世多年。
所以有一句话说：壶因文人介入而贵，文人因壶而久传。
”　　在这方面，历史上最有名的刻壶艺术家包括清朝书画家、篆刻家陈曼生。
“陈曼生擅长书画，又喜欢壶，于是设计了十八种壶的样式，也就是人们通常所说的‘曼生十八式’。
”太康说。
展览展出了一套他的紫砂壶作品，就是“曼生十八式”的基础上刻了十八罗汉的形象。
　　“以刀代笔”让创作更灵活　　太康的紫砂壶作品，温润的壶体与别有情趣的绘画、题字浑然一体，构图与器形出奇地相合。
这样的作品是如何创作出来的呢？　　据太康介绍，成品紫砂壶在经过1000多度的温度烧制之后，其材质已经非常坚硬，难以再在上面作画、篆刻。
因此，刻壶艺术家需要在壶坯烧好之后，待其成形、晾干，即在壶上进行创作。
　　他提到，现今有不少画家都在进行刻壶的艺术创作，大多需要由画家和工匠共同完成。
画家擅长绘画，在画好图样之后，再请工匠把自己的写意刻在壶上；工匠必须严格按照图样制作，不可逾越雷池半步。
他们一人掌握创意，一人掌握技术，这种合作模式做出的刻壶，难免显得有些刻板。
　　太康运用自己的篆刻功力，以刀代笔，独自完成绘画和雕刻两个步骤，因而让作品的神采更加充分地体现出来。
对工匠来说，雕刻是一件机械、照本宣科的过程，但对于太康来说，则是一次再创作的过程。
如果雕刻的时候发现原本的设想与器形不符，可随时修改，构图更加灵活、自然。
　　以笔墨趣味追求当代审美　　对太康来说，刻壶只是绘画的一种特殊表现形式，而本次一同展出的笔墨画，也像刻壶一样，构图不拘一格，拥有独特的线条美。
　　太康说，写意篆刻讲求的是大开大合、大疏大密，而他将这种风格融入画中，希望体现出雄强、老辣、苍茫的线条：“吴昌硕说他画气不画形。
我觉得中国画就是看线条，造型不是最主要的。
如果造型太精确了，画的东西就显得小气。
拿画圆来说，如果能画得方一点，就能显出大气，引人遐想。
”　　太康喜欢用传统笔墨画讲述当代文人的故事。
因为经常与一群书画界的朋友传看图片、互相点评，久而久之，便唤起了他对古人“煮酒论英雄”的联想。
他画下一盏酒壶、两只酒杯，还有一盘青梅，又在一旁以刚劲的笔法题下明代文人杨慎的作品《临江仙·滚滚长江东逝水》，也就是电视剧《三国演义》的主题曲，这便成为了他自己最喜欢的作品《青梅煮酒图》。
　　关于作画的创意，他解释说，自己的创作涉及书、画、印、刻等多个方面，而他最早接触的是印刻。
“那时学得较多的是写意，没有学习太多技法。
其实在大篆这个领域，近代以前没有笔法理论，所以大篆都是通过篆刻者自己的心性来表现的，每个人的风格都不一样。
我的风格更接近当代的审美，追求笔墨的趣味，避免画得太刻板。
”　　名家点评　　“太康之花卉与人物画，皆以印法为先意，留朱布白，视丈尺为方寸，故画面疏处可走马，密处不透风，此得印法之妙也；而细而研之，则其花卉人物山水，皆以篆法碑法运笔，长笔流畅而不羸弱，短笔刚健而不臃肿，点划随意而不轻飘。
”——雷铎，著名作家、文艺评论家　　“太康先生的篆刻，与他书艺上的两种路径相似，且均有自己的创意和个性。
然若无真行隶草的功底，其笔其刀也难有新境界。
从书艺篆刻到绘画，可看出太康先生在艺术上是一个‘不安分’的人。
所谓不安分，就是不断探索的精神和追求。
”——孟伟哉，著名作家、画家　　“太康在印中说话，在印中沉吟，在印中激荡，在印中感伤，太康的身心皆在漂泊之旅——尽管他很有生活的能力。
我相信他的乐观，同样相信他乐观背后的感伤，它们隐约明灭在他的红红的印迹之内，我分明看到一颗心灵的那种骚动与不安。
”——梅墨生，著名书画家、美术批评家  （本文已被浏览 2452 次） (转载请注明来源：紫砂壶信息网 http://www.zishahu.info/zhishi/091513e71bc6d8056c2f40bdcdf3fb1c_40851.html)